C’était en 1983. Il les a pris, a souffert avec eux, s’est régalé de bonheurs partagés. Il les a amenés du théâtre à la danse, de New York au Québec, du Japon à l’Afrique, de villes en villes, de quartiers en quartiers. Il, c’est Marcel Notar-Giacomo, fondateur de Traction Avant Cie. Un homme passionné de création artistique et qui n’a jamais oublié d’amener avec lui de nombreux jeunes de banlieues dont certains comptent aujourd’hui pour la danse en France. Derrière le succès visible, il y a la démarche d’un précurseur en France et qui ne veut pas que l’invisible s’oublie, le travail au quotidien qui dans les coulisses de quartiers n’a rien à voir avec la vie spectacle.
Alors pour ne pas oublier... entretien.

La création de Traction Avant Cie s’est faite en 1983, sous votre impulsion ?
Sous mon impulsion oui et avec le soutien de la ville de Vénissieux, du FAS, de la DRAC, du Conseil Général et de différents ministères. À l’origine, c’était un projet FIC (Fond d’Intervention Culturelle) et expérimental qui ne devait durer qu’un an et demi. Et Traction Avant existe toujours...
Comment en êtes-vous venu à créer cette compagnie ?
Je travaillais depuis 15 ans sur Vénissieux, comme animateur puis directeur de structures socioculturelles. J’avais une connaissance assez profonde de ce milieu. En parallèle, je suivais le Conservatoire d’Art Dramatique de Lyon. J’étais très surpris de voir à quel point, à l’époque, l’art était coupé de la vie et j’ai eu envie de créer une compagnie qui explore des enjeux artistiques nouveaux.
TAC est né à Vénissieux, aux Minguettes, en 1983 et cette année n’est pas un hasard ?
Je crois que c’est parti de la Marche pour l’égalité contre le racisme. Des jeunes revendiquaient une citoyenneté nouvelle, une identité qu’ils mettaient en perspective tout en voulant s’approprier leur histoire. Il m’est apparu fondamental qu’il fallait, entre autres, passer par l’art pour sortir d’un milieu difficile. Ancrée dans la vie humaine, la création artistique devait être autre chose que de la virtuosité. Moi, j’étais confronté à l’exclusion des jeunes et je savais qu’il fallait faire avec ces jeunes eux-mêmes exclus. J’ai eu envie d’imaginer une manière d’allier l’art et la société.
Vous avez rencontré des jeunes qui portaient tous, plus ou moins, des passions en eux ?
Oui, c’est vrai. C’était le point de départ nécessaire pour aller vers une écriture artistique à part entière. Mais il fallait aussi éviter d’être dans une culture de ghetto et n’avoir comme seul objectif, que le désir de les écouter.
Votre autre objectif était aussi de faire en sorte que la réalité de l’art ne soit pas uniquement en rapport avec la cité ?
Oui et cela s’est démontré avec la 1ère création faite avec Wladislaw Znorko. Il nous a bousculé dans une conception du théâtre autre. Le théâtre à la frontière des arts plastiques avec univers nouveaux, des rapports fantastiques aux objets, aux lieux. Par ce bouleversant élargissement du théâtre, il ouvrait sans fin les limites de la création.
Votre travail théâtral a démarré avec Znorko tandis qu’apparaissait le phénomène smurf.
Là encore, on ne pouvait qu’être attentif à ce qu’il se passait. À cette époque, le hip-hop devenait véritablement une revendication existentielle. Ça l’est beaucoup moins aujourd’hui. J’ai donc monté un stage de danse avec Pierre Deloche et des jeunes breakers-smurfers, pour voir si un parcours était possible avec un chorégraphe. Le but était d’inventer une écriture artistique qui ne reniait pas leur histoire et avec des spectacles qui seraient la traduction de ce qu’ils ont partagé ensemble.
Et ça a fonctionné ?
Ce fût très difficile. Il y avait beaucoup de réticences chez les jeunes breakers. Mais à force de travail, ils ont compris la nécessité de travailler au-delà de l’instinctif et la richesse des différents langages mis en commun.
Beaucoup de ces jeunes, connus ou pas connus travaillent le contemporain, vous n’avez pas peur que cela devienne leur unique langage ?
C’est vrai que l’on peut se poser la question. Est-ce l’incertitude de la durée de vie du hip-hop, est-ce que pour tourner un spectacle, il n’est pas nécessaire d’avoir un langage contemporain ? Mais l’essentiel, c’est que ce soit eux qui décident d’aller là où ils veulent aller. Ce choix devient alors véritablement leur parcours de créateur, là où ils doivent trouver leur propre langage.
En dehors d’aider ceux qui tournent, il y a le travail de formation au quotidien avec ceux qui ne tourneront pas forcément, est-ce qu’ils ont la notion de l’aléatoire ?
On ne pourra jamais empêcher des adolescents en situation d’échecs de fantasmer sur la réussite des autres. C’est là qu’intervient l’importance de mettre en avant un travail qui est fait de manière collective. S’ils sont accompagnés de médiateurs avec une réflexion sur le sens de leur travail, cela vient au moins en débat et c’est pour cela qu’il est nécessaire de penser autant qu’on danse.
Quels sont les risques s’il n’y a pas cette réflexion ?
Le risque, c’est que les jeunes croient que c’est facile alors qu’il faut comprendre par quoi on doit passer pour réussir. Il ne faut jamais oublier de dire qu’ils ne se sont pas faits tout seul, qu’ils ont vécu des aventures collectives, qu’ils se sont ouverts aux autres. À Traction Avant, nous avons passé beaucoup de temps à réfléchir à ce qu’on vivait, au sens de notre travail.
Peu de gens savent que Fred ou Samir avaient un budget de 2500 F pour aller se former, 500 F pour aller voir des spectacles, un budget vêtements pour travailler décemment dans une salle de répétition, il y avait sans cesse un budget personnel pour chaque projet. Je regrette que ceux qui sont connus n’aient pas une parole claire par rapport à ça, justement pour les autres. Que l’on sache que pour tous les projets qui se montent dans une ville, il est nécessaire d’avoir un accompagnement, qu’ils disent à quel point ils ont pu grandir en rencontrant des gens différents d’eux-mêmes alors qu’ils refusaient ces rencontres au départ et qu’ils avaient plutôt envie de rester dans une culture urbaine. Si tout cela était dit par eux, je crois que cela serait plus fort.
Pourquoi est-ce si important, pour vous, de rappeler souvent qu’il y a un parcours avant ?
Parce que si ce n’est pas rappelé, on oublie de parler de la véritable histoire, avec une contribution de ces gens de banlieue à écrire une page artistique et culturelle. Si on reste dans le fantasme, on est encore dans l’idéologie que l’artiste se fait en étant déconnecté du social. Or, c’est ce social-là qui a donné l’émergence de ces mouvements. On sait bien que la majorité des chorégraphes et metteurs en scène n’est pas issue de ces milieux sociaux et que ce qu’ils vont réinjecter dans leur parcours et leur création sera nourri de leur propre histoire. Il est important, pour moi que ces milieux sociaux soient producteurs d’art et de culture, qu’ils soient inscrits dans un patrimoine culturel dont la trace n’en sera que plus forte.
Pourquoi selon vous les jeunes compagnies issues de ces mouvements sont-elles de plus en plus programmées ?
Elles sont programmées parce qu’il y a une politique de la ville, une incitation politique qui quelque part l’exigent et il est normal que les élus soient attentifs à leurs objectifs et puis quand un programmateur découvre un Fred Bendongué à un moment où c’est un artiste reconnu, cela devient de fait évident.
Pourtant les programmateurs n’ont pas toujours été intéressés par votre travail et ces jeunes.
C’est vrai et c’est pourquoi l’histoire commencera à un moment où les responsables d’équipements ont commencé à les programmer, en 89, 90 et pas avant. On évacuera le parcours et c’est pour qu’on n'écrive pas une autre histoire que je tiens à répéter l’importance de ce parcours. La vie humaine est tellement mise en spectacle, y compris pour les danseurs. S’ils n’ont pas envie de parler de leur passé c’est parce que cela nécessiterait de reparler des Minguettes, de parler de quelqu’un qui les a poussés à s’ouvrir... Il faudrait revenir de manière humble à un parcours alors qu’aujourd’hui on préfère raconter son histoire comme si on l’avait construit soi-même, si on en était le seul artisan. Je pense qu’il y a un contenu éducatif dans tout art, qu’il permet de sortir de l’enfer et qu’il faut le dire.
Autour de la culture hip-hop...
La maison de la Danse présente du 25 au 27 Septembre, deux spectacles : La compagnie KAFIG présente une création de 96 “Kafig”.
Traction Avant Cie qui présente “Désert”, où la rencontre de la break danse et du butô sur une chorégraphie de Zoro Henchiri. Un spectacle à ne pas rater juste pour découvrir un jeune danseur de 20 ans à la présence époustouflante, Kader Belkomar.

Propos recueillis par Martine Pullara